Gitarre & Bass (2000): Difference between revisions

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'''''Summary''': Allan Holdsworth discusses his musical journey and his latest album, "The Sixteen Men of Tain." The album's title is inspired by a Scottish distillery, Glenmorangie, that employs only 16 people. Holdsworth incorporates a double bass into his music, adding warmth to his sound. He emphasizes that not knowing everything is what makes life and music interesting, reflecting on his personal growth and experiences. He shares his interest in beer and beer pumps. Holdsworth also talks about the importance of embracing technology in music, particularly the use of digital amplifiers. He briefly mentions his use of the SynthAxe as a secondary instrument for creating various sounds.'' ''[This summary was written by ChatGPT in 2023 based on the article text below.]''
''This article was published in German. A machine translation is given below.''
__FORCETOC__
==German version==
GB 2000   
GB 2000   


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G&B: Hast du irgendwelche interessanten CDs gehört in der letzten Zeit?  
G&B: Hast du irgendwelche interessanten CDs gehört in der letzten Zeit?  


Allan: Weißt du, das ist so eine andere merkwürdige Sache in meinem Leben. Als  Kind war ich absolut fasziniert von der Plattensammlung meines Vaters, und ich entdeckte, welche Gefühle und Stimmungen  mit Musik zusammenhängen können. Ich  fing an zu weinen, wenn ich bestimmte Sachen hörte, oder ich lachte los – und so lernte ich die Musik zu lieben. Ich wollte auch  immer nur Musikhörer werden; Musiker wurde ich mehr oder weniger durch Zufall. Heute arbeite ich mit ganz hervorragenden Leuten zusammen, und natürlich höre ich dabei ihre Musik. Aber, ehrlich gesagt, wenn ich heute mal alleine irgendwo bin, höre ich  kaum Musik, und wenn dann meist was Klassisches. Oder ich gehe in den Pub und trinke ein Bier, das macht mir mehr Spaß.  (grinst) Mein Kopf ist sowieso voll Musik, und ich muss erst mal lernen, diese Musik da raus zu lassen. Und ich möchte mich auch nicht in eine bestimmte Richtung lenken; denn wenn man etwas gut findet, möchte man sich vielleicht in eine ähnliche Richtung bewegen. Was ich ab und zu mal mache, ist Musik im Dunkeln zu hören. Dann gehe ich in mein Studio, mach das Licht aus, lege mich flach auf den Boden, und dann höre ich wirklich nur. Das ist ganz hilfreich, ganz beruhigend,  wenn man mal depressiv ist. Ein gutes Gefühl; man denkt dann, man wäre mitten drin  in der Musik. Faszinierend. Das Interesse an Musik werde ich wohl nie verlieren.  (grinst) Da fällt mir noch was ein: Als ich jünger war, dachte ich immer, mit zunehmendem Alter würde ich mich weniger für Frauen interessieren; ich dachte, das alles wäre  dann vielleicht nicht mehr so reizvoll für  mich. Aber ganz im Gegenteil, es wird immer schlimmer. Ein Desaster! Eine Katastrophe.
Allan: Weißt du, das ist so eine andere merkwürdige Sache in meinem Leben. Als  Kind war ich absolut fasziniert von der Plattensammlung meines Vaters, und ich entdeckte, welche Gefühle und Stimmungen  mit Musik zusammenhängen können. Ich  fing an zu weinen, wenn ich bestimmte Sachen hörte, oder ich lachte los – und so lernte ich die Musik zu lieben. Ich wollte auch  immer nur Musikhörer werden; Musiker wurde ich mehr oder weniger durch Zufall. Heute arbeite ich mit ganz hervorragenden Leuten zusammen, und natürlich höre ich dabei ihre Musik. Aber, ehrlich gesagt, wenn ich heute mal alleine irgendwo bin, höre ich  kaum Musik, und wenn dann meist was Klassisches. Oder ich gehe in den Pub und trinke ein Bier, das macht mir mehr Spaß.  (grinst) Mein Kopf ist sowieso voll Musik, und ich muss erst mal lernen, diese Musik da raus zu lassen. Und ich möchte mich auch nicht in eine bestimmte Richtung lenken; denn wenn man etwas gut findet, möchte man sich vielleicht in eine ähnliche Richtung bewegen. Was ich ab und zu mal mache, ist Musik im Dunkeln zu hören. Dann gehe ich in mein Studio, mach das Licht aus, lege mich flach auf den Boden, und dann höre ich wirklich nur. Das ist ganz hilfreich, ganz beruhigend,  wenn man mal depressiv ist. Ein gutes Gefühl; man denkt dann, man wäre mitten drin  in der Musik. Faszinierend. Das Interesse an Musik werde ich wohl nie verlieren.  (grinst) Da fällt mir noch was ein: Als ich jünger war, dachte ich immer, mit zunehmendem Alter würde ich mich weniger für Frauen interessieren; ich dachte, das alles wäre  dann vielleicht nicht mehr so reizvoll für  mich. Aber ganz im Gegenteil, es wird immer schlimmer. Ein Desaster! Eine Katastrophe.


G&B: Das gibt uns Hoffnung! Vielen Dank.   
G&B: Das gibt uns Hoffnung! Vielen Dank.   
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Allan ist seit drei Jahren Carvin-Endorser. Mit  seinen früheren Custom-made-Headless-Gitarren (überwiegend aus Steinberger-Teilen  gefertigt) war er eigentlich zufrieden, musste aber auch schon mal ein paar Jahre auf ein  neues Instrument warten. „Ich wusste dann nie genau, ob ich das noch erleben würde. Und das war der primäre Grund, mit Carvin zusammenzuarbeiten: sie sind schneller.“  So ist auch die technische Konstruktion seiner Carvin-Gitarren der seiner früheren  Custom-Modelle sehr ähnlich (Humbucker Pickups, Tune-o-matic-Bridge), Korpusform  und Design sind etwas ergonomischer ausgefallen (siehe auch http://www.carvin.com).  Allan spielt in den vergangenen Jahren verschiedene Mesa/Boogie-Amps. Vor drei Jahren bekam er dann in Japan einen der ersten  Prototypen des digitalen DG1000-Preamps von Yamaha in die Finger. „Und der hat mir sofort absolut gefallen. Ich benutze diesen  Preamp seitdem und habe auch das komplette neue Album damit eingespielt. Im Gegensatz zu den neuen Modelling-Amplifiers  ist dieser Preamp flexibler.“ Live spielte Holdsworth in der Folgezeit zwei  DG100-Combos (mit je zwei 12"-Lautsprechern) bevor er zu zwei DG80-Modellen  (mit 1×12"-Bestückung) wechselte, gelegentlich mit zusätzlichen 1×12"-Boxen. „Ein  schönes, kleines Setup mit hervorragendem Sound: Ich nutze jeweils einen Preamp der Combos für verzerrte Sounds, den anderen für die cleanen Sachen. Jede Vorstufe steuert  dabei dann aber beide Endstufen der Combos an, und so habe ich immer die Möglichkeit in stereo zu spielen. Das macht die  Sache sehr viel einfacher.“  „Yamaha hat in diesen Combos auch genau  die Speaker, die ich sehr mag: Es sind Celestion G12/100, aber nicht die Sorte, die man  normalerweise kennt; sondern sie entsprechen exakt den Lautsprechern, die sie früher  in den Mesa/Boogie-Amps hatten, als BlackShadow-Speaker. Die konnte man nicht kaufen, die hat Celestion nur für Boogie gebaut.  Und diesen Sound mag ich sehr.“  Den Wechsel von seinen Mesa/Boogie Röhren-Amps zu den digitalen Yamaha-Verstärkern bei der letzten Produktion, umschreibt Holdsworth sehr plastisch: „In diesem Zusammenhang war mir der Sound der  Boogies zu haarig; die Yamahas klangen da delikater, etwas konzentrierter. Sie reagieren  noch sensibler auf die Dynamik des Anschlags sowie auf den Lautstärkeregler meiner Gitarre. Und das ist wichtig.“  Holdsworth betont, dass er nie dogmatischer Verfechter der Röhrentechnologie war:  „In den ganzen Jahren habe ich eine Menge  wirklich guter Transistor-Amps kennen gelernt; ich war nie jemand, der nur an Röhren  glaubte. Ich habe ja auch jahrelang einen Amp von Hartley/Thompson gespielt, dann  einen Pearce – beides großartige Transistorverstärker – aber eben auch Marshalls und  Boogies. Und dieser neue Digital-Amp funktioniert einfach sehr gut. Sein Frequenzgang  taugt bestimmt nicht, um darüber Musik zu hören, aber er berücksichtigt sehr genau die Eigenarten einer E-Gitarre. Ich war zuerst sehr überrascht. dass mir so etwas gefällt.“ Aufgenommen hat Holdsworth mit einer 32Spur-Maschine von Mitsubishi. „Viele junge Musiker denken Digital sei gleich Digital – sie glauben der Werbung. Aber bei digitalem Equipment ist es genau wie bei anderen  Sachen auch: entweder ist es gut oder es ist schlecht. Nimm mal was mit einer A-Dat auf  und vergleiche es mit dieser digitalen Mitsubishi-Bandmaschine – dazwischen liegen  Welten, es ist unglaublich! Neulich war ich  mit Gary Husband und Jimmie Johnson in einem Studio in L.A., und da hatten sie eine  neue Maschine von Euphonics, eine R1, mit 24bit/96khz-Technologie – und das war  wirklich unbeschreiblich, das war noch einmal ein riesiger Schritt nach vorne. Ich wollte diese Maschine überhaupt nicht benutzen, sonst hätte ich sie für spätere Produktionen wohl immer mieten müssen. Alles  andere gefällt dir dann nicht mehr ...“ Holdsworth ist sich auch sicher, dass selbst  solche technischen Differenzen auf höchstem Niveau, bei jedem Musikhörer wirken –  denn es geht bei der Aufnahmetechnologie  ja grundsätzlich immer um Wandlungsprozesse, um Übertragungen auf andere Medien und wieder zurück in die schwingende  Luft. „Es wird nie so gut klingen, wie das musikalische Ereignis an sich“, meint Allan.  „Aber je besser die Technologie, umso näher  kommt es dem Original. Und Digitaltechnologie kann heute besser sein als die  analoge Technik. Darauf habe ich lange gewartet.  Es bringt auch nichts, diese technische Entwicklung zu ignorieren; denn Musik ist nun  mal auch Sound, das ist eine enge Verbindung, physikalisch wie spirituell. Und Noten, die man spielt, drücken einfach mehr  aus, wenn sie gut klingen.“  Noch eine Anmerkung zu Allans wiederentdecktem Zweitinstrument, der SynthAxe (s.  Foto links). Hierbei handelt es sich praktisch um einen MIDI-Controller in Gitarrenform,  der 1985 von Bill Aitken auf den Markt gebracht wurde. Die rechte Hand des Spielers  bedient ein Tastenfeld am Instrument, diverse Schalter, ein Whammy und die so genannten Trigger-Strings, die durch Berührung  Klangveränderungen ermöglichen. Außerdem gehört ein Pedalboard zur Steuerung.  Im Gegensatz zu MIDI-Gitarren, bei denen  die Saitenschwingung in MIDI-Daten umgewandelt wird (mit den bekannten Zeitverzögerungsproblemen), sind die „Saiten“ der  SynthAxe in Wirklichkeit Sensoren; ebenfalls die „Bünde“ des Instruments, die in jeweils 6  Zonen aufgeteilt sind. Trifft also eine bestimmte Saite auf einen bestimmten Bund,  setzt der Prozessor der SynthAxe diese Information in eine bestimmte Tonhöhe um. Spezielle Bending-Sensoren sorgen dafür, dass  auch die Tonhöhe gezogener Saiten adäquat berechnet und umgesetzt wird. Die Saiten  dieses Instruments müssen also nicht angeschlagen werden, um Signale zu erzeugen.  Die SynthAxe wird übrigens standardmäßig  mit .013er Saiten in allen 6 Positionen bestückt, was ein sehr spezielles, nicht unbedingt E-Gitarren-typisches Spielgefühl vermittelt. Bendings, Hammer-Ons oder Pull Offs, Vibrati etc. sind durch die dünnen  Saiten in keiner Lage ein Problem. Verbunden mit Synthesizer-Sound-Modulen (früher meist von Yamaha und Oberheim) sind alle denkbaren Sounds realisierbar. Ein komplettes SynthAxe-System kostete 1986 übrigens noch ca. £ 10,000 (runde DM  45000,–), heute liegt der Gebrauchtmarktpreis bei ca. $ 5000.  Weitere Details über dieses vom Aussterben bedrohte Instrument erfährt man unter http://www.hollis.co.uk/john/synthaxe.htm ■
Allan ist seit drei Jahren Carvin-Endorser. Mit  seinen früheren Custom-made-Headless-Gitarren (überwiegend aus Steinberger-Teilen  gefertigt) war er eigentlich zufrieden, musste aber auch schon mal ein paar Jahre auf ein  neues Instrument warten. „Ich wusste dann nie genau, ob ich das noch erleben würde. Und das war der primäre Grund, mit Carvin zusammenzuarbeiten: sie sind schneller.“  So ist auch die technische Konstruktion seiner Carvin-Gitarren der seiner früheren  Custom-Modelle sehr ähnlich (Humbucker Pickups, Tune-o-matic-Bridge), Korpusform  und Design sind etwas ergonomischer ausgefallen (siehe auch http://www.carvin.com).  Allan spielt in den vergangenen Jahren verschiedene Mesa/Boogie-Amps. Vor drei Jahren bekam er dann in Japan einen der ersten  Prototypen des digitalen DG1000-Preamps von Yamaha in die Finger. „Und der hat mir sofort absolut gefallen. Ich benutze diesen  Preamp seitdem und habe auch das komplette neue Album damit eingespielt. Im Gegensatz zu den neuen Modelling-Amplifiers  ist dieser Preamp flexibler.“ Live spielte Holdsworth in der Folgezeit zwei  DG100-Combos (mit je zwei 12"-Lautsprechern) bevor er zu zwei DG80-Modellen  (mit 1×12"-Bestückung) wechselte, gelegentlich mit zusätzlichen 1×12"-Boxen. „Ein  schönes, kleines Setup mit hervorragendem Sound: Ich nutze jeweils einen Preamp der Combos für verzerrte Sounds, den anderen für die cleanen Sachen. Jede Vorstufe steuert  dabei dann aber beide Endstufen der Combos an, und so habe ich immer die Möglichkeit in stereo zu spielen. Das macht die  Sache sehr viel einfacher.“  „Yamaha hat in diesen Combos auch genau  die Speaker, die ich sehr mag: Es sind Celestion G12/100, aber nicht die Sorte, die man  normalerweise kennt; sondern sie entsprechen exakt den Lautsprechern, die sie früher  in den Mesa/Boogie-Amps hatten, als BlackShadow-Speaker. Die konnte man nicht kaufen, die hat Celestion nur für Boogie gebaut.  Und diesen Sound mag ich sehr.“  Den Wechsel von seinen Mesa/Boogie Röhren-Amps zu den digitalen Yamaha-Verstärkern bei der letzten Produktion, umschreibt Holdsworth sehr plastisch: „In diesem Zusammenhang war mir der Sound der  Boogies zu haarig; die Yamahas klangen da delikater, etwas konzentrierter. Sie reagieren  noch sensibler auf die Dynamik des Anschlags sowie auf den Lautstärkeregler meiner Gitarre. Und das ist wichtig.“  Holdsworth betont, dass er nie dogmatischer Verfechter der Röhrentechnologie war:  „In den ganzen Jahren habe ich eine Menge  wirklich guter Transistor-Amps kennen gelernt; ich war nie jemand, der nur an Röhren  glaubte. Ich habe ja auch jahrelang einen Amp von Hartley/Thompson gespielt, dann  einen Pearce – beides großartige Transistorverstärker – aber eben auch Marshalls und  Boogies. Und dieser neue Digital-Amp funktioniert einfach sehr gut. Sein Frequenzgang  taugt bestimmt nicht, um darüber Musik zu hören, aber er berücksichtigt sehr genau die Eigenarten einer E-Gitarre. Ich war zuerst sehr überrascht. dass mir so etwas gefällt.“ Aufgenommen hat Holdsworth mit einer 32Spur-Maschine von Mitsubishi. „Viele junge Musiker denken Digital sei gleich Digital – sie glauben der Werbung. Aber bei digitalem Equipment ist es genau wie bei anderen  Sachen auch: entweder ist es gut oder es ist schlecht. Nimm mal was mit einer A-Dat auf  und vergleiche es mit dieser digitalen Mitsubishi-Bandmaschine – dazwischen liegen  Welten, es ist unglaublich! Neulich war ich  mit Gary Husband und Jimmie Johnson in einem Studio in L.A., und da hatten sie eine  neue Maschine von Euphonics, eine R1, mit 24bit/96khz-Technologie – und das war  wirklich unbeschreiblich, das war noch einmal ein riesiger Schritt nach vorne. Ich wollte diese Maschine überhaupt nicht benutzen, sonst hätte ich sie für spätere Produktionen wohl immer mieten müssen. Alles  andere gefällt dir dann nicht mehr ...“ Holdsworth ist sich auch sicher, dass selbst  solche technischen Differenzen auf höchstem Niveau, bei jedem Musikhörer wirken –  denn es geht bei der Aufnahmetechnologie  ja grundsätzlich immer um Wandlungsprozesse, um Übertragungen auf andere Medien und wieder zurück in die schwingende  Luft. „Es wird nie so gut klingen, wie das musikalische Ereignis an sich“, meint Allan.  „Aber je besser die Technologie, umso näher  kommt es dem Original. Und Digitaltechnologie kann heute besser sein als die  analoge Technik. Darauf habe ich lange gewartet.  Es bringt auch nichts, diese technische Entwicklung zu ignorieren; denn Musik ist nun  mal auch Sound, das ist eine enge Verbindung, physikalisch wie spirituell. Und Noten, die man spielt, drücken einfach mehr  aus, wenn sie gut klingen.“  Noch eine Anmerkung zu Allans wiederentdecktem Zweitinstrument, der SynthAxe (s.  Foto links). Hierbei handelt es sich praktisch um einen MIDI-Controller in Gitarrenform,  der 1985 von Bill Aitken auf den Markt gebracht wurde. Die rechte Hand des Spielers  bedient ein Tastenfeld am Instrument, diverse Schalter, ein Whammy und die so genannten Trigger-Strings, die durch Berührung  Klangveränderungen ermöglichen. Außerdem gehört ein Pedalboard zur Steuerung.  Im Gegensatz zu MIDI-Gitarren, bei denen  die Saitenschwingung in MIDI-Daten umgewandelt wird (mit den bekannten Zeitverzögerungsproblemen), sind die „Saiten“ der  SynthAxe in Wirklichkeit Sensoren; ebenfalls die „Bünde“ des Instruments, die in jeweils 6  Zonen aufgeteilt sind. Trifft also eine bestimmte Saite auf einen bestimmten Bund,  setzt der Prozessor der SynthAxe diese Information in eine bestimmte Tonhöhe um. Spezielle Bending-Sensoren sorgen dafür, dass  auch die Tonhöhe gezogener Saiten adäquat berechnet und umgesetzt wird. Die Saiten  dieses Instruments müssen also nicht angeschlagen werden, um Signale zu erzeugen.  Die SynthAxe wird übrigens standardmäßig  mit .013er Saiten in allen 6 Positionen bestückt, was ein sehr spezielles, nicht unbedingt E-Gitarren-typisches Spielgefühl vermittelt. Bendings, Hammer-Ons oder Pull Offs, Vibrati etc. sind durch die dünnen  Saiten in keiner Lage ein Problem. Verbunden mit Synthesizer-Sound-Modulen (früher meist von Yamaha und Oberheim) sind alle denkbaren Sounds realisierbar. Ein komplettes SynthAxe-System kostete 1986 übrigens noch ca. £ 10,000 (runde DM  45000,–), heute liegt der Gebrauchtmarktpreis bei ca. $ 5000.  Weitere Details über dieses vom Aussterben bedrohte Instrument erfährt man unter http://www.hollis.co.uk/john/synthaxe.htm ■
=English version by ChatGPT=
GB 2000
"I know that I know nothing, I know that I know nothing, I know that I know nothing, I know that I know nothing, I know that I know nothing."
ALLAN HOLDSWORTH HAS BEEN ESTABLISHED AS AN ICON OF GUITAR MUSIC FOR A QUARTER OF A CENTURY, AND HE BELONGS TO THE VERY FEW MUSICIANS WHO CAN BE IMMEDIATELY IDENTIFIED BY EVEN FEWER NOTES. HIS HIGHLY DEVELOPED LEGATO PLAYING ON THE SYNTHAXE AND ELECTRIC GUITAR HAS BECOME A TRADEMARK SOUND UNATTAINABLE FOR OTHER INSTRUMENTALISTS. AS JOHN SCOFIELD SO APTLY PUT IT IN
G&B 04/2000: "HOLDSWORTH IS INDESCRIBABLE, HE IS AN INCREDIBLE MUSICIAN. I'VE NEVER HEARD ANYONE PLAY GUITAR LIKE HIM." NOW WE CAN ALL CONTINUE TO BE AMAZED (ALONG WITH JOHN SCOFIELD) BECAUSE A NEW ALBUM BY THE LEGENDARY GUITARIST, 'THE SIXTEEN MEN OF TAIN' (FMS/CREAM), IS NOW AVAILABLE.
Holdsworth's last recording, 'None Too Soon' (1996), which featured interpretations of jazz and pop standards, was surprising. This time, he has limited himself to his own compositions. Besides his use of the SynthAxe, which used to be his second main instrument alongside the analog electric guitar, what surprises most is the contrast with the impressive double bass sound of Dave Carpenter, who is also a permanent member of Scott Henderson's band. In addition to drummer Gary Novak, who completes the Holdsworth Trio, guest appearances are made by trumpeter Walt Fowler (on two tracks), known for his work on many Frank Zappa productions, and drummer Chad Wackerman (on one track). The recording was done, as always, in Holdsworth's home studio, "The Brewery," located in an old garage next to his house in Vista, CA, between Los Angeles and San Diego. Here are excerpts from a conversation with Allan Holdsworth, who was in Germany at the end of February to promote his new album. He will be returning in May, along with his band - see dates below. First question: Who are these 16 Men from Tain that Allan has immortalized in the title of his current CD?
Allan: Tain is a town in Scotland, and they have distilleries there that produce very good single malt Scotch. Unlike blended whisky, which is composed of several types from different regions, I prefer these pure single malts. I also taste very big differences between these different whisky types. Glenmorange is my favorite whisky, and they had one variety, 18 years old, and on that bottle, it said, "Handcrafted by the 16 Men from Tain." In this distillery, only 16 people work. When I wrote this piece, it was a very festive thing. (grins) And whenever it gets festive, I think of alcohol - so in that sense, it was the perfect title for an album.
G&B: So there's also music between rock & roll and jazz that was inspired by drugs."
Allan: (laughs) Yes, that's true.
G&B: How did the use of the double bass come about – it hasn't been heard in your music before.
Allan: You're right, not on any of my previous solo albums. I don't count "None Too Soon" because the music wasn't mine; I felt like a guest on that one. So, I knew that Dave played double bass, and when we started this production, I wanted to do something calmer than "Hard Hat Area" (from 1993), but it still had to have energy.
G&B: And with Walt Fowler, you've added another interesting color to your music.
Allan: I've always liked his trumpet sound because it's very soft and somewhat like a flugelhorn.
G&B: It seems that softer, warmer tones are generally closer to your style.
Allan: Perhaps. In any case, it was a challenge to achieve the electric guitar tone I like, with distortion, in this context. But I think we succeeded.
G&B: How would you describe the evolution of your music since "Hard Hat Area"?
Allan: It's like life: it happens. I don't dictate to the music. I believe in what I want to do, and I let it happen. Of course, you have to take care of things like a record contract, or it won't work. But otherwise, it's like life: You know you never really know anything. That's the beauty of life; that's what makes life great. It's great not to understand how a woman thinks, for example.
G&B: When I talk to people who are fascinated by esotericism and astrology, my standpoint is always that we don't really know anything about the phenomena that these pseudosciences claim to explain. Just from birth time, place, and associated cosmic constellation, we can't define a person. And we can't explain the gaze into a crystal ball either – whether it makes sense or not.
Allan: (laughs) I don't trust in that kind of thing either. It's illusion, something you either believe in or not. I love the idea of not knowing many things. Of course, you learn more over the course of your life, but in reality, not that much. And when you know that you more or less know nothing, you stay awake and keep trying to learn, to experience something. That's the only reason for it.
G&B: So, life means learning and asking questions, and that means growing. The same goes for music.
Allan: Exactly. (grinning) I remember a situation from many years ago. We were on the road, four of us in some hotel room. Do you know that state between sleep and waking up? For a fraction of a second, really just a very short moment, I felt like I understood everything: It was so simple, I could see and understand everything so clearly! Everything was so simple and effortless! I can't explain it – and shortly after, it was gone anyway. Maybe it was part of a dream or something. An indescribable feeling...
G&B: The extreme opposite of depression and existential fears, right?
Allan: Yes. Weeks later, I still had a trace of that feeling, that taste. But it diminished every day. I had another kind of dream – different each time, but the situation was the same: I'm walking down the street, and I hear music. Someone is playing the guitar like I've never heard before – incredible, absolutely crazy! I keep walking and find myself in front of a music store. The door is open, I look inside and see this person playing the guitar – but these guitarists in my dreams always turn their backs to me! I can never see their faces. Isn't that bizarre?
G&B: The guy is Miles Davis; he has learned to play the guitar by now.
Allan: Hahaha! But such dreams are good. When I wake up, I always try to remember what I heard. It's there in my subconscious, but I can't get to the notes. Maybe over time, I'll get some essence of that situation. It's crazy: The older I get, the worse it gets; but it also gets better because you learn something along the way. (grinning) That's why it's getting more dangerous to look in the mirror over time.
G&B: But you seem much more balanced and positive today than before.
Allan: Really? I don't know. Maybe it's true, but I don't notice it... I've been involved in a lot of other things lately besides music. I've been flying around the country promoting my beer hand pump, attending various beer festivals, and so on. It's a special hand-pumped beer dispenser, a vacuum pump. Eventually, I sold my shares in that invention, but it looks like I'm back in that business again. Initially, it was just a hobby until friends told me I could probably make money with it. Unfortunately, I was never so commercially successful with music that a lot of money was coming in. Of course, I always wanted to just play the guitar, but this beer thing is something I really enjoy too.
G&B: Have you heard any interesting CDs lately?
Allan: You know, that's another strange thing in my life. As a child, I was absolutely fascinated by my father's record collection, and I discovered the emotions and moods that can be connected to music. I would start to cry when I heard certain things, or I would burst into laughter – and that's how I learned to love music. I always wanted to be a music listener; becoming a musician happened more or less by chance. Today, I work with some really outstanding people, and of course, I listen to their music. But honestly, when I'm alone these days, I hardly listen to music, and if I do, it's usually something classical. Or I go to the pub and have a beer; that's more enjoyable for me. (grinning) My head is full of music anyway, and I have to learn to let that music out. I also don't want to be steered in a particular direction because if you like something, you might want to move in a similar direction. What I occasionally do is listen to music in the dark. I go into my studio, turn off the lights, lie flat on the floor, and then I really just listen. It's quite helpful, very calming when you're feeling down. A good feeling; you feel like you're right in the middle of the music. Fascinating. I don't think I'll ever lose interest in music. (grinning) Oh, something else comes to mind: When I was younger, I always thought that as I got older, I would be less interested in women; I thought maybe it wouldn't be as exciting for me. But quite the opposite, it keeps getting worse. A disaster! A catastrophe.
G&B: That gives us hope! Thank you very much.
TECHNICAL
Allan Holdsworth has been a Carvin endorser for the past three years. He was generally satisfied with his previous custom-made headless guitars, mostly constructed from Steinberger parts. However, there were times when he had to wait for several years to get a new instrument. The primary reason for his collaboration with Carvin was their faster turnaround time.
The technical construction of his Carvin guitars closely resembled that of his previous custom models, featuring Humbucker pickups and Tune-o-matic bridges. The body shape and design of the Carvin guitars were slightly more ergonomic.
Over the past few years, Allan had been using various Mesa/Boogie amplifiers. However, three years ago, he got his hands on one of the first prototypes of Yamaha's digital DG1000 preamp in Japan, and he immediately liked it. He had been using this preamp ever since and had even recorded his entire new album with it. In contrast to the new modeling amplifiers, Allan found this preamp to be more flexible.
For live performances, Holdsworth had used two DG100 combos, each with two 12-inch speakers, before switching to two DG80 models with 1x12-inch configurations, occasionally accompanied by additional 1x12-inch speaker cabinets. This setup allowed him to have a beautiful, compact setup with excellent sound. He utilized one combo's preamp for distorted sounds and the other for clean tones. Both preamps drove both combos' power sections, providing him with the option to play in stereo, making things much more straightforward.
He particularly liked the speakers in the Yamaha combos, which were Celestion G12/100 speakers, but not the typical kind you'd find. Instead, they precisely matched the speakers that were previously used in Mesa/Boogie amps, known as BlackShadow speakers. These speakers were not available for purchase separately; Celestion had specifically designed them for Boogie. Allan appreciated the sound they produced.
Regarding his switch from Mesa/Boogie tube amplifiers to Yamaha's digital amplifiers for his recent production, Holdsworth described it vividly. He felt that the sound of the Boogies was a bit too "hairy" for the context, while the Yamahas sounded more delicate and focused. He found that they responded even more sensitively to the dynamics of his playing and the volume control on his guitar, which he considered crucial.
Holdsworth emphasized that he had never been a dogmatic advocate of tube technology. He had explored many high-quality transistor amplifiers over the years and had played through amplifiers like Hartley/Thompson and Pearce, which were excellent transistor amps. He had also used Marshalls and Boogies. Therefore, his positive experience with the new digital amplifier was a revelation.
In terms of recording, Allan used a 32-track Mitsubishi machine. He highlighted that in digital equipment, just like in other things, there was a significant difference between good and bad quality. He cited an example of comparing A-Dat recordings with the Mitsubishi digital tape machine, emphasizing the vast gulf in quality. He also mentioned encountering a new Euphonics R1 machine with 24-bit/96kHz technology in an L.A. studio, which he found incredible and a significant step forward.
Holdsworth was confident that even these technical differences at the highest level made an impact on every music listener. Recording technology, he believed, was always about transformation processes, transferring to other media and back into the vibrating air. While it might never sound as good as the live musical experience, the better the technology, the closer it got to the original. Digital technology could be superior to analog in today's context.
Lastly, he made a note about his rediscovered secondary instrument, the SynthAxe, which is a MIDI controller in the form of a guitar. Allan used it in combination with synthesizer sound modules to create various sounds. He explained how the SynthAxe worked, with sensors for strings and frets, as well as special bending sensors. The instrument didn't require strings to be physically plucked to produce signals. Allan described its unique feel with .013 gauge strings in all six positions and how it allowed for various techniques like bendings, hammer-ons, pull-offs, and vibrato.
The complete SynthAxe system was quite expensive in the past but could now be found on the used market for around $5000. Allan pointed out the importance of technological advancements in music and sound, stressing that ignoring these developments wouldn't be productive. Music was not just about notes but also about the quality of sound, which had both physical and spiritual connections to it.
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